El Heraldo del Henares
Una edición más, Ramón Bernadó asiste como crítico de cine acreditado por EL HERALDO DEL HENARES al Festival de San Sebastián 2025 #73SSIFF @sansebastianfes (18 al 26 de septiembre de 2026), uno de los eventos cinematográficos más relevantes del mundo.
Bernadó analizará a diario y con su particular punto de vista aquellas películas del programa oficial a las que asista.
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Wild Horse Nine – 2026 – Martin McDonagh – Donostia Zinemaldia – Perlak Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes
Elegir un lugar para morir: la Isla de Pascua o Venecia
Dos agentes de la CIA destinados en Chile poco antes del golpe de Estado de 1973.
Chris, interpretado por un magnífico John Malkovich, está agonizando y decide viajar a la Isla de Pascua para que su compañero Lee, Sam Rockwell, lo mate antes de que la enfermedad haga el trabajo.
Su jefe, MJ, es Steve Buscemi.
Con estos elementos, Martin McDonagh construye un thriller de espionaje setentero con una comedia negrísima basada, sobre todo, en unos diálogos absolutamente delirantes.
Chris está completamente desbocado y, cuando conoce a dos jóvenes chilenas, empieza a contarles sin filtro los secretos y las miserias de la CIA y lo que está a punto de suceder en Chile.
Hay momentos descacharrantes.
Y Malkovich y Rockwell funcionan estupendamente como pareja, entre la amistad, la muerte y el disparate.
El problema es que llegaba a Wild Horse Nine después de oír maravillas tras su paso por Venecia. Esperaba muchísimo.
Y me ha decepcionado un poquito.
La película está muy bien, los diálogos son inteligentes, el paisaje de la Isla de Pascua está magníficamente aprovechado y el tono entre thriller, drama y comedia funciona.
Además, McDonagh no banaliza la tragedia chilena. Bajo las bromas permanece la gravedad del golpe de Estado y una mirada muy crítica hacia el poder y las intervenciones de la CIA durante aquellos años.
Una película muy buena.
Quizá el problema haya sido esperar una obra maestra.
McDonagh, otra vez entre amigos y asesinos
Martin McDonagh vuelve a mezclar humor negro, violencia, amistad masculina y personajes enfrentados a la muerte, elementos presentes en Escondidos en Brujas, Siete psicópatas, Tres anuncios en las afueras y Almas en pena de Inisherin.
Wild Horse Nine se presentó a competición en la 83.ª Mostra de Venecia y llega a San Sebastián dentro de Perlak.
La producción es de Blueprint Pictures y la distribución española corresponde a The Walt Disney Company Iberia.
Su estreno comercial en España está anunciado para el 13 de noviembre de 2026.
Mi puntuación: 7,67/10.
Ficha técnica en este enlace.
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Ink – 2026 – Danny Boyle – Película sorpresa – Donostia Zinemaldia – Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes
Ciudadano Murdoch: tinta, tetas y titulares
Ink nos lleva a 1969, cuando Rupert Murdoch compra The Sun y coloca al frente a Larry Lamb con un objetivo bastante sencillo: ser el número uno.
No necesariamente informando mejor.
Vendiendo más.
Guy Pearce interpreta a Murdoch y Jack O’Connell a Lamb, acompañados por una Claire Foy en un papel más secundario.
La estrategia consiste en darle al público lo que quiere: escándalos, sexo, chicas guapas, fútbol y entretenimiento. The Sun no pretende tanto informar como vender periódicos.
Y vende.
Ahí está una de las grandes ideas de Ink: el periodismo convertido en producto y el lector convertido en cliente al que hay que satisfacer como sea.
Las famosas chicas de la página 3 son la representación perfecta de esa filosofía. Sexo, provocación y titulares llamativos. Todo vale si aumenta la circulación.
Pero donde realmente triunfa la película es en la dirección de Danny Boyle.
Ink tiene un ritmo endiablado. Los diálogos funcionan como metralletas, el montaje es excepcional y las rotativas, las reuniones de redacción y la competencia entre periódicos transmiten estupendamente el estrés de una profesión obsesionada con llegar antes y vender más.
Es una magnífica película de periódicos.
Y además resulta inevitable contemplarla desde 2026.
De aquellos polvos, estos lodos.
El sensacionalismo, el titular escabroso y la información entendida fundamentalmente como mercancía forman parte del camino que nos ha llevado al actual ecosistema de desinformación y fake news.
Ink cuenta el nacimiento de una manera de hacer periodismo, pero también explica bastante bien de dónde venimos.
Está estupendamente producida, tiene personajes sólidos y Danny Boyle consigue que 116 minutos pasen como una rotativa a toda velocidad.
Y, además, tiene algo que seguramente habría encantado al mismísimo Rupert Murdoch: es tremendamente comercial.
Después de cerrar la edición
Danny Boyle es uno de los cineastas británicos más reconocibles de las últimas décadas, responsable de Trainspotting, 28 días después, Slumdog Millionaire, 127 horas y Steve Jobs.
Su gusto por el ritmo, el montaje y la energía visual encuentra en una redacción periodística un terreno especialmente apropiado.
Ink está escrita por James Graham, adaptando su propia obra teatral, y tuvo su estreno mundial en la Sección Oficial del Festival de Venecia de 2026.
El Festival de San Sebastián la ha programado como película sorpresa de su 74.ª edición.
Su estreno comercial en España está previsto para el 6 de enero de 2027, distribuida por Wanda Vision.
Mi puntuación: 7,96/10.
Ficha técnica en este enlace.
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Las disculpas de Vicentina – On Behalf of My Son – Vicentina pede desculpas – 2026 – Gabriel Martins – Donostia Zinemaldia – Sección Oficial Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes
Pedir perdón hasta que duela
Vicentina ha perdido a su hijo en un accidente de autobús. Él era el conductor y sobre él planea la sospecha de haber sido responsable de la tragedia.
La madre decide entonces recorrer los hogares de las víctimas para pedir perdón.
Aunque ni siquiera sabe si tiene algo por lo que pedirlo.
Rejane Faria está extraordinaria. Construye una Vicentina dolorida, renqueante, obstinada y cargada con una culpa que quizá ni siquiera le corresponda.
No me extrañaría nada verla optar seriamente a la Concha de Plata a la mejor interpretación protagonista.
El problema de Las disculpas de Vicentina es que estira demasiado el chicle del duelo, la culpa y el perdón.
Y son 148 minutos de chicle.
Vicentina visita una familia tras otra y la película va acumulando encuentros, dolores y reacciones diferentes ante la tragedia. El mecanismo funciona, pero termina resultando reiterativo.
Curiosamente, acaba interesándome más lo que hay alrededor de Vicentina que su propio itinerario.
Ese Brasil humilde y trabajador, el de las chabolas, las casas modestas y las familias que dependen del autobús para desplazarse, va apareciendo como un enorme paisaje humano de fondo.
Vicentina lo recorre trabajosamente, con su cojera, buscando un perdón que nadie sabe muy bien si necesita recibir ella o concedérselo a sí misma.
Tal vez ahí esté la mejor película: en el Brasil que Vicentina atraviesa mientras pide disculpas.
Después de pedir perdón
El brasileño Gabriel Martins es uno de los fundadores de la productora Filmes de Plástico.
Codirigió con Maurílio Martins No coração do mundo (2019) y posteriormente realizó en solitario Marte Um (2022), presentada en Sundance.
Las disculpas de Vicentina mantiene su interés por personajes y familias de las clases populares brasileñas.
La película, de 148 minutos, compite en la Sección Oficial del 74.º Festival de San Sebastián.
Está producida por Filmes de Plástico y cuenta con Netflix como distribuidora en España.
Mi puntuación: 5,57/10.
Ficha técnica en este enlace.
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Le Faux Soir – 2026 – Michaël R. Roskam – Donostia Zinemaldia – Sección Oficial Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes
Ocean’s Eleven con rotativas
La Segunda Guerra Mundial parece un tema inagotable. Se han hecho miles de películas y a nadie parece molestarle que se sigan haciendo.
En cambio, que se ruede sobre la Guerra Civil Española, posiblemente el acontecimiento histórico más importante de nuestro país en los dos últimos siglos, todavía incomoda a algunos.
Curioso.
Le Faux Soir nos lleva a la Bélgica ocupada por los nazis en 1943, donde el diario Le Soir había sido convertido en instrumento de propaganda alemana.
Un grupo de miembros de la Resistencia decide fabricar una edición falsa del periódico. Mismo aspecto, misma cabecera, mismo papel. Pero con artículos destinados a ridiculizar al ocupante.
Y aquí está la gracia de la película.
Michaël R. Roskam construye un drama histórico sobre periodismo y resistencia, pero lo hace funcionar con los mecanismos de una película de atracos.
Hay que reunir al equipo.
Preparar el golpe.
Conseguir los medios.
Ejecutar el plan.
Y solucionar los inevitables problemas que van apareciendo.
Ocean’s Eleven, pero con rotativas.
La película funciona muy bien con esta estructura. Está estupendamente ambientada en esa Bélgica ocupada y tiene un magnífico diseño de producción.
Además, es tremendamente coral. Cuesta incluso decidir quién es realmente el protagonista, aunque ese poeta estrambótico que pone en marcha la idea termina ejerciendo como motor de la operación.
Y un placer añadido: escuchar ese francés belga tan limpio y académico, que se entiende estupendamente.
Le Faux Soir mezcla periodismo, resistencia, drama histórico y cine de atracos con mucha eficacia.
Una operación clandestina en la que no se roba un banco. Se roba un periódico a los nazis.
Después de las rotativas
El belga Michaël R. Roskam dirigió Bullhead (2011), nominada al Óscar a mejor película de habla no inglesa, y La entrega (The Drop, 2014), con Tom Hardy, Noomi Rapace y James Gandolfini.
También realizó El fiel (Le Fidèle, 2017) y los primeros episodios de la miniserie Encerrado con el diablo (Black Bird).
Le Faux Soir está basada en el episodio real de la edición clandestina publicada por la resistencia belga en noviembre de 1943.
La película es una coproducción de Bélgica y Francia, dura 132 minutos y está protagonizada, entre otros, por Arieh Worthalter, Mélanie Thierry, Karim Leklou, Bouli Lanners y François Damiens.
Tras su paso por Toronto, llegó a San Sebastián como estreno europeo y película de clausura de la Sección Oficial, fuera de concurso.
En España figura distribuida por La Aventura y LAZONA.
Mi puntuación: 7,76/10.
Ficha técnica en este enlace.
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A professora de francés – 2026 – Ricardo Alves Jr. – Donostia Zinemaldia – Horizontes latinos Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes
Ella daba clases de francés; el vecindario, cursos de conversión
A Professora de Francês es de esas películas que empiezan como retrato doméstico y terminan como una pesadilla de la que no se puede salir.
Graça (Grace Passô) da clases particulares de francés en Belo Horizonte. Vive con su novia, una francesa interpretada por Jehnny Beth.
Todo cambia cuando tiene que volver a la casa familiar por la enfermedad de su padre.
Allí la esperan unos vecinos que pertenecen a una especie de secta.
Al principio ofrecen ayuda.
La intención real es otra: reconvertirla. Para ellos la homosexualidad, el lesbianismo, es una patología grave que hay que curar.
Y luego está Tomás (Pedro Goifman), un personaje joven que es puro veneno. Sabe herir como nadie a Graça. Tortura, literalmente tortura, de forma psicológica.
La película va in crescendo en violencia hasta límites que se hacen casi insoportables.
Tiene un componente de drama, otro de thriller, y hasta algún momento de puro cine de acción y terror. Un cóctel que no siempre es fácil de sostener, pero aquí funciona.
Y que quede claro: esto es una película de sectas.
Muy, muy interesante.
Sobre este director
Ricardo Alves Jr. (Belo Horizonte, 1982) es cineasta, productor y director de teatro, formado en la Universidad del Cine de Buenos Aires.
Su obra ha pasado por Cannes, Berlinale, Rotterdam y Locarno.
Su primer largometraje, Elon não Acredita na Morte (2016), compitió en Macao, y Russa (2018, codirigida con João Salaviza) lo hizo en la sección oficial de Berlín.
Con Grace Passô ya había trabajado antes: codirigieron juntos Vaga Carne (2020).
A Professora de Francês es su cuarto largometraje y tuvo su estreno mundial en Horizontes Latinos, dentro del 74 Festival de San Sebastián, en septiembre de 2026.
Es coproducción de Brasil, Francia y Portugal, producida por EntreFilmes (Thiago Macêdo Correia); en Brasil la distribuye Embaúba Filmes.
Todavía no tiene distribuidora ni fecha de estreno comercial en España.
Mi puntuación: 7,66/10.
Ficha técnica en este enlace.
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NOOR: Cocinar pasados posibles – 2026 – Carlos Velasco y Kate Hu – Donostia Zinemaldia – Culinary Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes
Antropología en la cocina.
Conocemos el restaurante Noor, en Córdoba, de la mano de su chef, Paco Morales.
Es un proyecto personal, con apoyo familiar, que ha ido creciendo hasta convertirse en una cocina muy particular.
Porque lo que hace Morales es una especie de arqueología culinaria: investiga platos antiguos de la cocina cordobesa, sí, pero no los interpreta de manera textual. Los reinterpreta.
Y ahí está la clave, porque la Historia siempre es una reinterpretación de los hechos. Según quién la cuente, la historia cambia. Eso es justo lo que hace Morales: convertir la historia y la cultura de Al-Ándalus en una cocina contemporánea.
De su mano vamos conociendo distintos escenarios.
Su restaurante, para empezar, en un barrio de Córdoba, ni siquiera en el centro.
También el comedor de sus padres.
Las calles de Córdoba.
Y la huerta de la Alhambra de Granada, esa huerta antropológica donde se cultivan vegetales desde hace 800 años.
De la mano de este artista de la cocina, de este antropólogo culinario, vamos pasando de un escenario a otro y de un personaje a otro.
El documental resulta interesante.
Pero tiene un tufillo de publirreportaje bastante intenso.
Sobre Velasco & Hu
Firman la película Carlos Velasco (Madrid) y Kate Hu (Taipéi), pareja creativa venida de la fotografía, la moda y la publicidad: cortometrajes suyos han sonado en festivales como el Aesthetica Short Film Festival, el Notodofilmfest o el Barcelona Fashion Film Festival.
Noor: cocinar pasados posibles es su segundo largometraje documental, tras Para qué sirven las canciones de amor.
La película se ha estrenado mundialmente en la sección Culinary Zinema del 74º Festival de San Sebastián —que este año se celebra del 18 al 26 de septiembre—, en una sesión especial con cena de Paco Morales incluida.
Producen Godello Entertainment, con el propio restaurante Noor (tres estrellas Michelin) como productor asociado. Su estreno comercial está previsto para el último trimestre de 2026.
Mi puntuación: 6,55/10.
Ficha técnica en este enlace.
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Gatibu, sin decir adiós (Documental) – Gatibu, agur esan barik – 2026 – Jabi Elortegi – Donostia Zinemaldia – Zinemira Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes
Veinticinco años de rock y un agur a medias
Confieso mi desconocimiento absoluto de Gatibu, banda de rock surgida en Gernika y muy vinculada al público vasco.
Después de veinticinco años de carrera, el grupo decidió retirarse organizando una gira de despedida culminada con tres conciertos en el Bizkaia Arena del BEC, en Barakaldo.
El BEC es un lugar que conozco bien y al que tengo especial cariño por mis numerosas visitas a la Euskal Encounter. Verlo convertido en el escenario del adiós de Gatibu aporta al documental un componente emocional añadido.
Gatibu, agur esan barik reconstruye la historia del grupo mediante conciertos, imágenes de archivo, entrevistas y momentos entre bastidores.
Las razones de la separación no se explican de manera tajante. Más bien se percibe el desgaste natural que producen los años, las giras y una convivencia profesional demasiado prolongada.
Resulta especialmente revelador el encuentro con un músico estadounidense que lleva medio siglo en la misma banda. Explica que durante los primeros veinticinco años sus integrantes estaban siempre juntos; durante los veinticinco siguientes, solo se veían para grabar o actuar.
Una forma bastante elegante de explicar cómo sobrevive un grupo sin necesidad de terminar a guitarrazos.
El documental está muy bien confeccionado, conecta con sus protagonistas y retrata con cercanía las personalidades de los miembros de Gatibu.
Hay momentos bastante emotivos, pero sin convertir la despedida en un funeral con amplificadores.
También me gusta mucho el viaje a Boise, capital de Idaho, donde conocen a la importante comunidad vasca de la ciudad, visitan su ikastola y participan en Jaialdi, el gran festival internacional dedicado a la cultura vasca.
Ese viaje permite comprobar hasta dónde puede llegar una banda que canta en euskera sin renunciar a sus raíces.
Gatibu, agur esan barik se incorpora a esa saludable moda de documentar la trayectoria de grupos musicales antes de que sus recuerdos terminen desperdigados entre camerinos, discos antiguos y batallitas de barra de bar.
Un documental que se ve con agrado, emociona en varios momentos y sabe despedirse sin decir del todo adiós.
Después del último concierto
Jabi Elortegi nació en Bermeo en 1969 y ha desarrollado buena parte de su carrera en el cine y la televisión vascos.
Debutó en el largometraje con Felicidad perfecta (2009) y posteriormente dirigió El vasco (2022).
También ha trabajado en producciones televisivas como Go!azen y es uno de los fundadores de Pausoka Entertainment, productora de este documental.
Gatibu, agur esan barik ha sido seleccionada para Zinemira en la 74.ª edición del Festival de San Sebastián, donde compite por el Premio Irizar al Cine Vasco.
Su estreno mundial está previsto en el festival y posteriormente llegará a los cines distribuida por Atera Films.
Mi puntuación: 6,55/10.
Ficha técnica en este enlace.
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Muchos besos y muchas gracias.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
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